Was es bedeutet, der Natur getreu zu malen

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Wirklichkeitsgetreu gemalt – das sind, ganz im Sinne der akademischen Malerei, die von den europäischen Kunstakademien überliefert wurde, die über 100 Gemälde, die derzeit im US Collins Galleries in Orleans, USA, zu sehen sind. Die Galerie unterstützt Künstler, die auf diese Weise arbeiten.

Jetzt feiert Collins Galleries sein 10-jähriges Bestehen. Ich wollte wissen, warum es der Inhaberin Alison Collins so wichtig ist, dass sich ihre Galerie vor allem auf Künstler konzentriert, die naturgetreu malen.

Die Antwort liegt in der Vergangenheit – in der persönlichen Geschichte von Collins und im westlichen Kunsterbe als Ganzes.

„Late Day Colors“, von William R. Davis. Öl auf Paneel; 8 Zoll mal 12 Zoll. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Collins Galleries

Entdeckung der traditionellen Kunst

Collins entwickelte ihre Liebe zur Kunst zunächst durch ihre Eltern, die einen sehr traditionellen und klassischen Geschmack hatten, wie sie am Telefon sagte. Ihr Vater, ein Autodidakt im Möbelbau und in der Weberei, der kürzlich verstorben ist, hat sie sehr inspiriert.

Als Teenager begann sie dann in einer örtlichen Kunstgalerie zu arbeiten, deren Besitzer, Julian Baird, einen sehr feinen Geschmack hatte und klassische und traditionelle Werke bevorzugte. In den folgenden 27 Jahren arbeitete sie immer wieder in dieser Galerie und erweiterte ihre Kenntnisse.

Als Collins heranwuchs, wurde die zeitgenössische Kunst populär. Zu Beginn ihrer Karriere in der Kunstgalerie, Mitte bis Ende der 80er Jahre, erhielten Kunststudenten eine eher schlechte Ausbildung in Zeichnen und Malen, weil das Zeitgenössische auf dem Campus und in den Klassenzimmern Einzug gehalten hatte, sagt sie. Diese Kunstbewegung des frühen 19. und frühen 20. Jahrhunderts wandte sich von der traditionellen Ausbildung ab, die jahrhundertelang von den europäischen Kunstakademien bestimmt worden war, und legte stattdessen großen Wert auf künstlerische Innovation und Experimentierfreude.

Kunststudenten, die eine traditionellere Ausbildung anstrebten, mussten auf andere Weise lernen. Einige lernten in privaten Ateliers, die von Schülern des Künstlers R.H. Ives Gammell (1893-1981) eingerichtet worden waren. In Amerika war Gammell einer der einflussreichsten Lehrer der westlichen Kunsttradition. Er setzte sich für die Bewahrung der Tradition ein und vertrat die Ansicht, dass die zeitgenössische Kunst das europäische Kunsthandwerk untergrub. Gammell wurde besonders von dem Künstler William Paxton beeinflusst, bei dem er eine Zeit lang studiert hatte. Paxton war ein Schüler des großen französischen akademischen Malers Jean-Léon Gérôme gewesen.

Das Erbe der traditionellen Kunstausbildung

Künstler werden immer von denen beeinflusst, die vor ihnen da waren. Das ist es, was Collins am akademischen Stil der Kunst so wunderbar findet: Die Künstler lernen von ihren Vorgängern, und diese Fähigkeiten und Kenntnisse werden weitergegeben und weiterentwickelt.

In der traditionellen oder klassischen Kunstausbildung belegt ein Künstler zunächst Zeichenkurse, bevor er überhaupt einen Pinsel in die Hand nimmt, sagte sie. Im 18. und 19. Jahrhundert mussten die Studenten der Royal Academy of Art Schools in London zu Beginn ihrer Ausbildung Gipsabdrücke von antiken Statuen und Architekturen kopieren und die Zeichnungen davon bis zu einem Jahr lang ausarbeiten.

„Anemonen“, von Katie G. Whipple. Öl auf Platte; 12 Zentimeter mal 30 Zentimeter. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Collins Galleries

Collins sagte, dass Künstler zuerst ihre natürlichen Fähigkeiten im Atelier verbessern. Sie lernen zunächst, besser zu zeichnen, um das, was sie sehen, realistisch und sinnvoll wiederzugeben. Dann studieren sie die Elemente des Zeichnens, wie Perspektive, Linie, Wert, Form und mehr.

Mit der Zeit und durch Übung perfektionieren die Künstler ihre Fähigkeiten und beginnen schließlich, ihren eigenen Stil zu entwickeln. Collins vergleicht diese Erfahrung mit anderen Berufen. „Wenn man Wissenschaftler ist, lernt man nicht alles aus dem Buch, es gibt einige Dinge, die man erleben muss… und schließlich findet man Lösungen durch… Erforschung und Entdeckung“, sagte sie.

„Wenn man anfängt, etwas zu beobachten und mehr darüber zu lernen, kann es sein, dass man auch in sich selbst eine Veränderung erfährt.“

Diese Erfahrung machte sie, als sie ihrem Vater beim Möbelbau zusah. Sie beobachtete ihn aufmerksam bei der Arbeit und begann zu verstehen, wie man mit den Werkzeugen umgeht und Herausforderungen kreativ löst. Sie lernte, wie sie selbst Probleme lösen kann.

Lebensechte Malerei

Ein Landschaftsmaler, der in der freien Natur malt, erlebt einen anderen Prozess als jemand, der in einem Studio sitzt und ein Foto kopiert. Als Experiment fotografierte Collins das Licht, das durch ihr Küchenfenster auf die Couch fiel. Sie studierte das Bild intensiv und verglich es mit dem, was sie in Wirklichkeit sah. Das Foto verflachte und verzerrte die Szene etwas. Wenn man lebensecht malt, hat man eine Dynamik, die bei Fotos verloren geht.

„Willet Calling“, von Cindy House. Pastell; 15 Zoll mal 19 Zoll. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Collins Galleries

„September Light at Crosby‘s“, von Thomas B. Higham. Öl auf Platte; 12,5 mal 20 Zentimeter. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Collins Galleries

„Wenn ein Künstler draußen ist und naturgetreu malt, muss er oft schnell arbeiten, um das einzufangen, was vor ihm liegt, vor allem bei wechselnder Witterung wie Regen, Wind und Schnee oder auch bei einem Sonnenauf- oder -untergang. Um zu lernen, wie man das Geschehen in der Natur vorhersagen kann, braucht man Erfahrung und eine Beziehung zu ihr. Für einen Landschaftsmaler kann die Intuition den entscheidenden Unterschied ausmachen, wenn es darum geht, wie der Moment eingefangen wird“, sagte sie.

„Chickadee in Buckthorn,“ von Russell Gordon. Öl auf Leinen; 8 Zoll mal 10 Zoll. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Collins Galleries

Wenn ein Künstler naturgetreu malt, gibt es einen erkennbaren Maßstab, an dem er die Wirkung seiner Bilder messen kann. Die Natur ist das wahre Maß der Kunst, und wenn man eine Reihe von Gemälden an der Wand betrachtet, wie in Collins‘ Galerie, gibt es einen Standard und eine Messlatte, um Gleiches mit Gleichem zu vergleichen.

In der modernen Kunst hingegen gibt es keine Messlatte. Es gibt keinen Vergleich zwischen dem, was gut ist und was nicht, denn jedes Werk ist eine Abstraktion der Innenwelt oder von Teilen der Realität. Die zeitgenössische Kunst weicht von der Natur ab. Collins sagt, dass es in der zeitgenössischen Kunst darum gehe, mit der Tradition zu brechen. „Aber in dem Kunstgenre, in dem ich arbeite, gibt es eine Grenze – es gibt das Gute, und man kann es sehen. – Das liegt daran, dass diese Künstler das wirkliche Leben als Modell benutzen, sei es eine Figur oder ein Objekt, oder sie malen die Landschaft vor Ort.“