Kreativität und Disziplin: Der Weg zu erfolgreichen Projekten

Im Januar planen viele von uns das kommende Jahr. Ich versuche, jedes Jahr Zeit für zwei große kreative Projekte zu finden, die von den Jahreszeiten bestimmt werden: Im Frühling und Sommer verlangt mein Obst- und Gemüsegarten meine Aufmerksamkeit, und im Herbst und Winter widme ich mich einem Kunsthandwerk. In diesem Jahr ist es das Schneidern.

In meiner Vorstellung habe ich bereits eine friedliche Gartenoase erschaffen, die von Bienen, Vögeln und Schmetterlingen umschwärmt wird, voller saftiger Früchte und frischem Gemüse. Mein Kühlschrank ist voll, und ich muss nicht mehr einkaufen. Ähnlich sind meine Schneidereiträume: In meinem Kopf habe ich ein perfekt maßgeschneidertes Sommerkleid aus Rohseide genäht, das im Sommerwind weht, während ich durch meinen Gartenhimmel hüpfe.

In der Realität ist mein Sommerkleid immer noch ein Haufen blauer Rohseide, der im Schrank neben meiner Nähmaschine liegt, und die Ernte des letzten Jahres hat nur ein paar Beeren und Salatblätter hervorgebracht.

In diesem Jahr konzentrierte ich mich auf die Schritte, die nötig sind, um meinen kreativen Zielen näher zu kommen. Da fiel mir plötzlich auf, dass mir die Künstler und Handwerker, mit denen ich über die Jahre für Epoch Times gesprochen habe, bereits zahlreiche Ratschläge und Anleitungen gegeben haben, wie sie Experten in ihren Bereichen wurden.

Ich strebe nicht nach ihrem Meisterschaftsniveau. Aber als ich mir einige ihrer Ratschläge wieder näher ansah, erkannte ich, dass die meisten nicht nur auf Kunst anwendbar sind, sondern allgemein gültige Werte darstellen – für ein gutes Leben.

Wähle einen Beruf und werde der Beste darin

In den 1980er-Jahren fertigte der autodidaktische Silberschmied Scott Hardy Pferdeschmuck und Sporen, bis er zwei Meister-Silberschmiede traf. Bei einem Drink tauschten sie sich über ihre Arbeit aus. Jeder von ihnen hatte sich auf ein bestimmtes Handwerk konzentriert. Einer von ihnen sagte zu Hardy: „Konzentriere dich auf einen Beruf und werde der Beste darin. Das bist du dem Material schuldig.“

Meister-Silberschmied Scott Hardy in seiner Werkstatt. Vor Jahren riet ihm ein Meister-Silberschmied, in seinem Handwerk immer weiter Fertigkeiten zu erlangen – aus Achtung vor dem Material. Foto: Leslie Hardy

Ab diesem Tag entschied sich Hardy für die Gold- und Silberschmiedekunst. Er machte es sich zur Aufgabe, alles über die Methoden und Materialien dieses Handwerks zu lesen und zu lernen.

Silberschmied Scott Hardy arbeitet an einer silbernen Gürtelschnalle. Foto: Leslie Hardy

Hardy vergleicht das Lernen mit einer Bergbesteigung. Auf einer gewissen Höhe erreicht man eine üppig grünende Wiese. Hier kann man entscheiden, zu ruhen oder weiterzuwandern, um höhere Ebenen zu erreichen. Ähnlich sei die Entscheidung, ob man nach dem Erlernen einer Fähigkeit weiter an seiner Kompetenz arbeiten möchte oder sich mit dem erreichten Niveau zufriedengibt.

Hardy wählt immer den weiteren Aufstieg. Nun, nach über 41 Jahren Arbeit und Perfektionierung seines Handwerks, macht er kleinere Schritte. Doch diese sind nicht weniger bedeutend.

Klein anfangen, um groß zu werden

Sattler Cary Schwarz rät angehenden Handwerkern, klein anzufangen. Einige seiner Schüler setzen ihre Erwartungen sehr hoch – aufgrund von YouTube-Videos und sozialen Medien, in denen Handwerker meisterhaft gefertigte Objekte zeigen. Diese Videos verschweigen jedoch die Hunderte von Übungsstunden, die jeder erfahrene Handwerker hinter sich hat, um solche Fähigkeiten zu erlangen.

Sattler Cary Schwarz ermutigt angehende Handwerker, klein anzufangen, sich zunächst mit den Materialien vertraut zu machen und dann die Prozesse und Techniken Schritt für Schritt zu erlernen. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Cary Schwarz

„Die Schüler wollen bei der Sattelherstellung bei der zweiten oder dritten Stufe beginnen, obwohl sie sich zunächst mit einem prozessorientierten Ansatz an die erste Stufe herantasten sollten“, sagte er. Er rät seinen Schülern, sich zunächst mit dem Leder vertraut zu machen und zu verstehen, wie es sich anfühlt, damit zu arbeiten.

Sattler Cary Schwarz inspiziert einen seiner Eichenledersättel in seiner Werkstatt. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Cary Schwarz

Kenne deine Materialien gut

George O’Hanlon ermutigt professionelle Maler, ihre eigene Farbe herzustellen oder zumindest zu wissen, wie das geht. Als Direktor von Natural Pigments, einem US-amerikanischen Unternehmen, das seltene und schwer zu findende Kunstmaterialien herstellt, sagt O’Hanlon, dass viele Künstler heute keine Ahnung von Farbe haben. Sie verlassen sich auf die handelsübliche Farbe aus der Tube.

O’Hanlon sieht darin einen großen Nachteil für sie. Er vergleicht diese Künstler mit Köchen, die im Supermarkt ein paar Gläser Soße und ein paar Zutaten kaufen, um ein Gericht zu kochen. Sie kochen kein Gericht, sie stellen es zusammen. „Stellen Sie sich einen Koch vor, der nicht weiß, wie man eine Soße von Grund auf zubereitet oder wie man ein Gericht aus den Grundzutaten zubereitet“, sagt er.

Künstler experimentieren heute nicht mehr wie früher mit Farben, weil sie an der Hochschule nicht gelernt haben, wie man Farben herstellt, und weil sie keinen leichten Zugang zu den Materialien haben, mit denen sie Farben herstellen können.

O’Hanlon empfiehlt, die einfachsten Farbrezepturen zu verwenden, damit die Künstler sehen können, wie die Elemente miteinander interagieren. Wenn sie die Farben selbst hergestellt haben und jedes Element darin kennen, haben sie mehr Kontrolle über den Malprozess.

Sei diszipliniert und arbeite hart

Die Stilllebenmalerin Susan Paterson ist der Meinung, dass angehende Künstler oft nicht wissen, wie viel Arbeit und Disziplin es erfordert, so detaillierte Kunstwerke wie die ihren zu schaffen. „Die Leute denken, man muss inspiriert sein, um in sein Atelier zu gehen und zu malen, aber ich gehe zur Arbeit“, sagt sie. Für Paterson bedeutet das, von Montag bis Freitag 6 bis 7 Stunden am Tag vor der Staffelei zu stehen.

Susan Paterson erstellt ihre Stillleben mit größter Sorgfalt und verbringt manchmal 35 bis 50 Stunden nur mit der Zeichnung. Auf diesem Bild ist sie in ihrem Atelier zu sehen, während sie „Eier mit Spitzentischdecke“ malt. Öl auf Holzplatte; 30 x 45 cm. Foto: Susan Paterson

Manchmal kann es drei bis vier Monate bis zur Fertigstellung eines Gemäldes dauern. Deshalb arbeitet sie normalerweise an zwei oder drei Gemälden gleichzeitig, um zwischenzeitlich die Ölfarbe am jeweiligen Bild trocknen zu lassen. Manchmal musste sie sogar ein Silberstück in ihrem Arrangement wieder polieren, und öfter muss sie die Teile abstauben, da sich im Laufe der Zeit bereits Staub auf ihnen abgesetzt hat.

„Silber und Spitze mit Eiern“, 2022, von Susan Paterson. Öl auf Holzplatte; 97 x 46 cm. Paterson gewann mit diesem Gemälde den ARC Purchase Award und belegte zudem den zweiten Platz in der Stilllebenkategorie des 16. Art Renewal Center (ARC) Salon. Foto: Hugo Ford/Image House

Sie kann allein 35 bis 50 Stunden nur mit der Zeichnung verbringen, um jeden Aspekt der Komposition genau zu erfassen, bevor ihr Pinsel mit der Farbe und der Leinwand in Kontakt kommt. Einige von Patersons größeren Gemälden können bis zu 200 Stunden in der Entstehung dauern.

Nimm dir Zeit zum Nachdenken und sieh deinen Fortschritt

Die Mixed-Media-Künstlerin Susannah Weiland liebt es, wie das Handsticken sein eigenes Tempo vorgibt. Es gibt keine Möglichkeit, es zu beschleunigen. Sie stickt in Etappen und arbeitet lange und ausdauernd an jedem Motiv.

Die Mixed-Media-Künstlerin Susannah Weiland bestickt eine ihrer Bleistiftzeichnungen von Hand. Weiland fotografiert ihre Arbeiten oft zu Beginn und am Ende jedes Tages, um ihren Fortschritt zu dokumentieren. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Susannah Weiland

Sie genießt den langsamen, intensiven Prozess, braucht jedoch Pausen, um innezuhalten, nachzudenken und ihre Augen auszuruhen. „Es ist gut, eine Pause zu machen und dann wieder zurückzukehren. Dann bemerkt man Dinge, die man ändern oder hinzufügen möchte“, erklärt sie.

„July Sky“, 2022, von Susannah Weiland. Handstickerei auf Leder; 27 x 28,5 cm. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Susannah Weiland

Weiland fotografiert ihre Arbeiten oft zu Beginn und am Ende des Tages, da sie durch das langsame Tempo und den kleinen Maßstab sonst leicht den Überblick über ihren Fortschritt verlieren kann.

Folge den Fußstapfen derjenigen, die du bewunderst, aber ebne deinen eigenen Weg

Die figurative Malerin Kristen Yann fand, dass ihre universitäre Ausbildung weit hinter ihren Erwartungen, traditionelle Maltechniken zu erlernen, zurückblieb. „Es war einfach eine sehr schlechte Ausbildung in Bezug auf Technik. Dafür wurde viel Wert darauf gelegt, wie man denkt“, erinnert sie sich.

Der eine wertvolle Ratschlag, den sie in der Universität erhielt, war, die Websites und Lebensläufe von Künstlern, die sie bewunderte, anzusehen und zu sehen, wo sie ausgebildet wurden. Einer von Yanns Lieblingskünstlern, Alex J. Venezia, hatte ebenfalls eine Universität besucht, aber letztendlich seine Ausbildung im East Oaks Studio in Raleigh, North Carolina, bekommen.

East Oaks Studio, erklärt sie, ist kein Lehrprogramm. Es ist eine Gemeinschaft von Künstlern, die zusammen malen, Informationen teilen und sich gegenseitig ihre Arbeiten kritisch ansehen.

Yann gewann ein Stipendium für das East Oaks Studio. Sie verbrachte lange Zeit damit, den Mitbegründer des East Oaks Studio, Louis Carr, und den ansässigen Künstler Venezia beim Malen zu beobachten. „Ich habe durch Beobachtung gelernt, und das ist eine wirklich wunderbare Sache, weil man nicht so viel von diesem ‚Kopf‘-Wissen hat, das deine Intuition beim Malen blockiert“, sagt sie.

Sie ist der Meinung, dass das Beobachten von Künstlern bei der Arbeit das Lesen über Techniken bei Weitem übertrifft, weil man die Kunst in der Praxis sieht. Man sieht, wie die Künstler ihre Pinsel auf die Palette setzen, wie viel Farbe sie auf den Pinsel aufnehmen, wie sie die Farben mischen und sogar, wie sie ihre Pinsel halten.

Zeichne und male direkt aus der Natur, nicht mit Fotografien

Für den Luministenmaler Joseph McGurl ist es entscheidend, eine direkte Verbindung zur Natur zu haben, wenn er im luministischen Stil malt. Es ist einer der Gründe, warum er Pleinairgemälde erschafft und niemals Fotografien in seinem künstlerischen Prozess verwendet.

Im Luminismus dreht sich alles um Licht und Spiritualität, erklärt er. Eine Fotografie hat keines dieser Merkmale. „Ein Foto hat kein Licht. Wenn du die Glühbirne ausschaltest, die darauf leuchtet, strahlt aus diesem Foto kein Licht mehr.“

Da Fotografien kein Licht enthielten, fügt er hinzu, bedeute das Malen nach einer Fotografie, dass der Künstler nicht das Licht malt, sondern Farben, und dass die Farben mit den anderen abgeglichen werden müssten. Für McGurl ist das Malen im Freien entscheidend, um das Licht und die Empfindungen zu interpretieren, die für seine Gemälde notwendig sind.

McGurl nutzt seine Pleinairmalerei als Forschungsinstrument, um sein Verständnis für die Natur zu vertiefen, so wie es seine Zeitgenossen vor Jahrhunderten taten.

Dieser Beitrag stellt ausschließlich die Meinung des Verfassers oder des Interviewpartners dar. Er muss nicht zwangsläufig die Sichtweise der Epoch Times Deutschland wiedergeben.